Produsele artistice și filosofia mărcii lui Andy Warhol

Andy Warhol era cunoscut de toată elita newyorkeză iar comenzile curgeau. Ca un adevărat guru adorat de fanii săi, s-a distrat chiar publicând o carte despre viziunea sa asupra artei și vieții, „Ma philosophie de A à B et vice-versa” (1975), fără niciun efort: pur și simplu a scris tot ce-i trecea prin cap.

Suburbia săracă și poluată din Pittsburgh, unde și-a petrecut copilăria într-o familie de emigranți slovaci, era departe în urma lui. Poate că tocmai din cauza acestei amintiri din perioada Marii Depresiuni îi plăceau atât de mult bancnotele verzi. Când a decis să renunțe la cariera de desenator publicitar pentru a se lansa în pictură la începutul anilor 1960, avea un singur obiectiv: să devină bogat și celebru. Trebuia deci să producă mult și repede. Serigrafia, o tehnică semi-industrială utilizată până atunci pentru tipărirea reclamelor în mai multe exemplare, s-a impus ca soluția ideală.

Conceperea unei mașini de capodopere

Începând din 1963, Warhol începe să producă fotografii serigrafate pe pânză. Artistul pornește de la o fotografie alb-negru, de obicei portretul unei celebrități. Luminozitatea și contrastele sunt reglate la maximum pentru a obține o imagine simplificată, bicoloră, fără nuanțe de gri. Warhol o mărește pentru a obține o peliculă mare, pe care o întinde apoi pe un „ecran” din țesătură sintetică acoperită cu un produs fotosensibil. Apoi, totul este expus la o lumină foarte puternică. Ecranul este spălat cu apă și apare imaginea negativă a filmului: în zonele albe, țesătura se întărește și ochiurile se obstrucționează; în zonele negre, neimprimate, rămâne brută.

Odată uscat, ecranul este așezat pe o pânză. Artistul aplică vopsea de culori vii înainte de a pune totul sub presă. Culoarea trece doar prin părțile țesăturii ale căror ochiuri nu sunt astupate, dând o imagine pozitivă a fotografiei pe suportul final. Cu același ecran curățat, operațiunea se repetă pentru fiecare culoare. Uneori, Warhol înlocuiește acrilicul cu o bombă de vopsea pentru caroserie auto: acesta este secretul aspectului strălucitor, rece și industrial al fundalului argintiu din „Ten Lizes” (1963), două rânduri de cinci portrete ale actriței Liz Taylor.

Reciclează și repetă

Care era obsesia lui Andy Warhol? Reutilizarea unei imagini existente și populare – Mona Lisa, o reclamă la Coca-Cola, o fotografie a unei vedete apărută în presă – și multiplicarea ei la infinit. De la o operă la alta sau pe aceeași pânză, imaginea se repetă ca pe un clasor de timbre, un tapet cu motive sau eticheta unei conserve produse în serie. Reproducând astfel în serie, ea devine mai mult ca niciodată un clișeu… până când își pierde sensul.

Producția în serie

„Mi-ar plăcea să fiu o mașină, vouă nu?”, spunea Warhol. Nemulțumit că a produs mii de opere, visa să scoată 4.000 într-o singură zi. Pentru că, pentru el, „industrial” nu era un cuvânt urât. Mai mult: artistul nu este un creator, ci pur și simplu un producător. „Cantitatea este cel mai bun indicator în toate […]. Nu mă aștept să fiu plătit decât pentru timpul meu activ”, scria el.

Americanul a sfidat ideea tradițională conform căreia valoarea unei opere depinde de caracterul său unic. O provocare pe care o asumă până la capăt, întrucât atelierul său, care angajează numeroși executanți din 1963, se numește pur și simplu „the Factory” („Fabrica”).

Joacă-te cu variantele

La Warhol, totul seamănă, dar nimic nu este identic. Este suficient să te uiți mai atent la celebrele sale cutii de supă Campbell’s, aliniate ca pe raftul unui supermarket. Etichetele variază, anunțând o mulțime de arome diferite: roșii, vită, cheddar.

Pentru Warhol, reflecția și seriozitatea sunt dușmanii unei opere reușite. „Timpul pe care îl dedic reflecției nu valorează nimic”, asigură el. „Când sunt obligat să reflectez, știu că pânza este proastă”. Deci, e mai bine să te bazezi pe instinctul tău pentru alegerea culorilor, a formatului și a dispunerii, care vin pe parcursul producției. „Îmi spun: […] „Spațiul ăsta, acolo, în colț, are nevoie de puțin albastru, așa că pun albastru”.

Demistificarea artei

Warhol merge până la a elimina orice scară de valori, apărând o creație uniformă: pentru el, „toate tablourile ar trebui să aibă aceeași dimensiune și aceeași culoare, astfel încât să fie interschimbabile și nimeni să nu aibă sentimentul că unele sunt bune și altele rele”. Deviza lui? Subversiune și ironie față de artă și capodopere. Publicitate, televiziune, pictură veche: totul are aceeași valoare în viziunea sa, care cultivă o artă impersonală, reflectând societatea de consum și producția industrială a epocii sale.

Afacerile înainte de orice

Warhol nu s-a ascuns: îi plăceau banii. Pentru el, arta era o marfă pe care adora să o comercializeze. „A face afaceri bune este cea mai fascinantă artă”, afirmă chiar omul de afaceri, care frecventează cluburile de noapte la modă pentru a rămâne cât mai aproape de clienții săi și pentru a-și promova imaginea apărând în paginile de mondenități. Cu el, afacerea a devenit artă, iar arta afacere.

Obsedat, chiar și în viața sa privată, de bani, televiziune, aparențe și celebritate, artistul apare cu siguranță ca întruchiparea societății de consum. Cu toate acestea, prin operele sale, el arată și comercializarea celebrităților precum Marilyn Monroe (vedetă fabricată de studiourile de la Hollywood), prezentându-le așa cum sunt tratate: ca produse vândute maselor.

Fără îndoială, cea mai fascinantă operă a sa rămâne personajul pe care și l-a creat.