Cele mai mari succese ale lui René Magritte

René Magritte, născut în 1898, s-a bucurat de o ilustră carieră de cinci decenii, pictând până la moartea sa la vârsta de 68 de ani, la sfârșitul anilor 1960. Este unul dintre cei mai faimoși suprarealiști din lume, recunoscut imediat datorită merelor, pălăriilor bowler și cerului albastru sau noros.

Cunoscute pentru paradoxurile, jocurile de cuvinte și contradicțiile lor vizuale, picturile lui Magritte au fost mult timp populare printre colecționarii dornici să dețină o lucrare a maestrului suprarealist.

În noiembrie 2024, lucrarea lui Magritte „L’empire des Lumières” (1954) a doborât toate recordurile când a fost vândută pentru 121,2 milioane de dolari la Christie’s, în New York. Apoi, în martie 2025, lucrarea sa „La reconnaissance infinite” (1933) a fost vândută pentru suma uriașă de 10,3 milioane de lire sterline (13,7 milioane de dolari) la Christie’s în Londra, de aproape 20 de ori mai mult decât prețul anterior, când a fost vândută ultima dată la casa de licitații, cu 11 ani înainte.

Artistul belgian a ocupat, de asemenea, toate cele trei locuri fruntașe în raportul Intelligence Report 2025 al Artnet News pentru cei mai bine vânduți artiști impresioniști și moderni și s-a clasat pe primul loc ca cel mai credibil artist al anului 2024 în aceeași categorie, cu o rată de vânzare de 82% din cele 119 loturi oferite, aducând vânzări de peste 312 milioane de dolari.

În Belgia există două muzee dedicate exclusiv operei lui Magritte: Muzeul „René Magritte” din Jette, Bruxelles, amenajat în casa în care artistul a locuit între 1930 și 1954; și Muzeul „Magritte”, deschis în Cartierul Regal din Bruxelles, ca parte a Muzeelor Regale de Arte Frumoase din Belgia, cu aproximativ 200 de lucrări originale ale maestrului suprarealist. O nouă experiență imersivă în oraș promite, de asemenea, să permită participanților să „traverseze un univers complet imersiv înconjurat de geniul său”, datorită utilizării a aproximativ 300 de picturi digitalizate. Timp de patru ani, între 1998 și 2002, bancnotele belgiene de 500 de franci cu Magritte au fost în circulație.

Lucrări de impact ale artistului sunt:

„The False Mirror” (1928)

Creată la începutul carierei sale, la un an după prima sa expoziție personală organizată la Bruxelles, „Oglinda falsă” este una dintre primele lucrări suprarealiste ale lui Magritte. Prim-planul unui ochi deschis, cu irisul înlocuit de un cer albastru și înnorat, este astăzi una dintre cele mai recunoscute imagini ale artistului.

Magritte se mutase la Paris în luna septembrie a anului precedent și se cufundase în cercul suprarealist al lui André Breton. Stilurile suprarealiste ale lui Magritte s-au dovedit mai durabile decât cele ale altor membri ai grupului din Paris și a continuat să realizeze lucrări în aceeași direcție până la moartea sa. El a creat trei versiuni ale „Oglinzii false”, iar originalul este singurul care se află într-o colecție publică. Acesta a fost achiziționat de Muzeul de Artă Modernă din New York de la Man Ray în 1936, un prieten apropiat și colaborator al lui Magritte care deținea tabloul încă din 1933.

„The Lovers” (1928)

O altă capodoperă suprarealistă timpurie a lui Magritte, „Iubiții” – aflată de asemenea în colecția MoMA – face parte dintr-o serie de patru cupluri îmbrățișate ale căror săruturi sunt blocate de țesătura care le acoperă fețele.

O interpretare populară a picturii este că imaginile au fost extrase dintr-un moment întunecat din copilăria lui Magritte. Când era adolescent, Magritte ar fi asistat la recuperarea corpului mamei sale din râul Sambre, în care se înecase. Se zvonește că fața ei ar fi fost acoperită de rochie, inspirând mai multe lucrări ale lui Magritte în care fețele celor care stau lângă el sunt întunecate. Totuși, această teorie sumbră este considerată în mare parte a fi doar o legendă urbană.

 „The Treachery of Images” (1929)

 Celebrul tablou al lui Magritte reprezentând o pipă, sub care este scris mesajul contradictoriu „Ceci n’est pas une pipe” („Aceasta nu este o pipă”), s-a confruntat cu o serie de reacții negative, un critic deplângând versiunea în limba engleză a afișării lucrării: „Dați-le [suprarealiștilor] un centimetru și ne vor lăsa fără suflare”.

„Faimoasa pipă. Cât de mult mi s-a reproșat pentru ea!”, a spus Magritte în apărarea sa. „Și totuși, ați putea să-mi îndesați pipa? Nu, este doar o reprezentare, nu-i așa? Deci, dacă aș fi scris pe tabloul meu „Aceasta este o pipă”, aș fi mințit!” Pipa sa metafizică a fost influențată de activitatea sa de designer publicitar de la mijlocul anilor ’20 (activitate la care avea să se întoarcă în 1930, după încheierea contractului de venit cu galeria sa din Bruxelles). Cea mai faimoasă pipă din lume – sau, mai degrabă, cea mai faimoasă non-pipă din lume – se află în colecția Los Angeles County Museum of Art.

„Golconda” (1953)

Întoarcerea lui Magritte la publicitate și la experimentare l-a făcut să reîntregească suprarealismul la sfârșitul anilor 1940. „Golconda” prezintă peste o sută de iterații ale personajului „everyman” al lui Magritte, suspendat deasupra unei străzi. Bărbații, purtând paltoane și pălării bowler, plutesc în aer ca și cum nu ar cădea și nici nu ar zbura.

„Golconda” este una dintre cele 170 de picturi cu titluri sugerate lui Magritte de prietenul său, poetul suprarealist Louis Scutenaire. El a făcut această sugestie după un oraș în ruine din India, iar Magritte a inclus o asemănare a poetului într-una dintre figurile plutitoare. „Golconda” se află în colecția Menil Collection din Houston.

„The Son of Man” (1964)

Aflat într-o colecție privată din 1998, „Fiul omului” este probabil cea mai emblematică imagine a lui Magritte, chipul acoperit cu măr al figurii sale decorând nenumărate articole de merchandising Magritte din întreaga lume. Tema feței ascunse a fost repetată de artist de mai multe ori în anii 1960, inclusiv două variante ale „Fiului omului” care prezintă figura de la piept în sus: „The Man with the Bowler Hat” (1964), în care fața este acoperită de o pasăre zburătoare, și „The Great War on Facades”, care prezintă o figură feminină a cărei față este ascunsă sub un buchet de hortensii purpurii.

Magritte a explicat că „The Son of Man” era o explorare a părților identității noastre pe care alegem să le ascundem, spunând că „tot ceea ce vedem ascunde un alt lucru, întotdeauna vrem să vedem ce este ascuns de ceea ce vedem”.