Femei în artă – Artista conceptuală Barbara Kruger interacționează cu spectatorii prin limbajul vizual distinctiv

Opera Barbarei Kruger vorbește direct privitorului. Folosind pronume precum „Eu”, „Tu” și „Noi” și declarații îndrăznețe, munca ei ne determină să punem la îndoială ceea ce vedem și auzim în mass-media de masă și să ne gândim la modul în care aceste mesaje ne modelează identitățile și societatea.

Despre impulsul practicii sale, Kruger a spus: „Încerc să fac o muncă care să îmbine seducțiile dorinței de gândire cu critica lui știu mai bine”.

Printr-o combinație inteligentă de imagini și texte preluate din reviste, televiziune, videoclipuri și ziare, practica lui Kruger, care se întinde pe mai mult de patru decenii, provoacă felul în care să conferim înțeles semnificanților vizuali ai credinței, moralității și puterii.

Născută în 1945 în Newark, New Jersey, Kruger a crescut în timpul epocii de aur a publicității americane, care a pătruns în toate aspectele vieții și i-a format stilul care este acum semnătura sa. Ea și-a început pregătirea la School of Art de la Universitatea Syracuse în 1964, continuându-și studiile de artă și design în 1965 la Parsons School of Design din New York, sub conducerea lui Diane Arbus și Marvin Israel. În anul următor, Kruger a câștigat experiență de primă mână în crearea de conținut de reviste ca designer de pagini la Condè Nast și ca editor de imagini pentru revistele Mademoiselle și House & Garden. Aranjarea machetelor pentru reviste i-a oferit o perspectivă fundamentală asupra circulației și impactului cultural al imaginilor. Asociată cu Pictures Generation – artiști conceptuali preocupați de analiza critică și diseminarea culturii mass-media – interesul lui Kruger pentru fotografia vernaculară este împărtășit de Cindy Sherman, Richard Prince, Sarah Charlesworth, Louise Lawler și Sherrie Levine.

Leul de Aur pentru întreaga carieră

Artista conceptuală Barbara Kruger a devenit o figură proeminentă în anii 1980 pentru imprimeurile care juxtapuneau fotografii alb-negru cu texte îndrăznețe, inventate. În cele mai faimoase lucrări ale sale, ea imprimă sloganuri ironice și serioase – „Eu fac cumpărături, deci sunt” și „Corpul tău este un câmp de luptă”, de exemplu – în litere groase, albe, Futura, pe casete de text roșii care compensează imaginile criptice din reviste și alte surse mass-media. În 1982, Kruger a reprezentat Statele Unite la Bienala de la Veneția, iar în 2005, i s-a acordat Leul de Aur pentru întreaga carieră.

Ea a expus, de asemenea, la Documenta și la Whitney Biennial.

Kruger s-a bucurat de expoziții personale la unele dintre cele mai prestigioase muzee din lume și a creat instalații specifice pentru Muzeul de Artă Americană Whitney, Muzeul de Artă al comitatului Los Angeles și Muzeul și Grădina de Sculptură Hirshhorn. Un sentiment acut al angajamentului social pătrunde în toată munca lui Kruger, care a apărut și pe panouri publicitare, carduri de autobuz, afișe și peroanele gărilor, precum și în parcuri și alte spații publice. Lucările ei s-au vândut cu sume cu șase cifre pe piața secundară.

Strategii de design grafic

Adoptând fonturile Futura Bold Oblique și Helvetica Ultra Compressed în munca sa, Kruger folosește strategiile de design grafic concis de text și imagini comune în reclame pentru a îndrepta atenția către sistemele de putere dăunătoare.

„Untitled (You Invest in the Divinity of the Masterpiece)” (1982) a lui Kruger descrie o secțiune din frescele de pe tavanul Capelei Sixtine a lui Michelangelo ca imagine centrală; relația dintre reproducerea seducătoare alb-negru a lui Adam aproape atingând degetul lui Dumnezeu și sloganul acuzator ne confruntă cu complicitatea noastră în susținerea importanței și valorii instituțiilor precum religia și istoria artei.

În 1988, Kruger a fost invitată să curatorieze Picturing „Greatness” la Muzeul de Artă Modernă, o expoziție care cuprindea fotografii ale artiștilor celebri selectați din colecția MoMA și care ridicau întrebări despre noțiunile de punere în scenă a „măreției” artistice. În textul introductiv al expoziției, ea a propus în mod provocator faptul că portretele „ne arată cum vocația este prinsă în clișee și transformată în stereotip de către cameră și cum fotografia îngheață momentele, creează proeminență și face istorie”.

Creând instalații arhitecturale au reprezentat de multă vreme o parte a practicii lui Kruger, începând cu expoziția ei din 1991 la Mary Boone Gallery din New York, care a prezentat o instalație specifică ce acoperă toți cei patru pereți ai galeriei cu texte și imagini provocatoare. În 2022, ea a acoperit Marron Family Atrium de la MoMA cu declarațiile sale caracteristice despre putere, voyeurism și ororile războiului. În loc să se infiltreze în spații prin obiecte, Kruger a spus că instalațiile ei „construiesc și conțin experiențele noastre” împotriva atacului copleșitor de grafică și text. Fraze tipărite care acoperă o clădire sau o cameră punctează experiențele trăite, speranțele și temerile noastre, invitând privitorii să înțeleagă „cum [spațiile] ne formează la fel de mult pe cât le formăm noi pe ele”.

Foto credit: MoMA